lunes, 21 de agosto de 2017

Lo mejor de lo “peor”

El cine de Serie B y 5 pelas de bajo presupuesto que hay que ver antes de morir


Por: André Horruitiner

Cuando elegimos una película para ver, por lo general lo hacemos de acuerdo a un género que nos guste, los actores que participan, la dirección, o una sinopsis bastante convincente. Por supuesto, el comentario de los críticos o de nuestros amigos cercanos (público general) tendrá un determinado peso a la hora de escoger.

Partiendo de los elementos referenciales citados –y otros detalles formales-, escucharemos que una película es juzgada de “buena” o “mala”. ¿Pero qué pasa cuando un filme de marcadas deficiencias técnicas consigue atraparnos con una trama hipnotizante? Es ahí cuando hablamos de “Cine B” o “Cine de Bajo Presupuesto”.


La caída de la casa Usher, de Roger Corman, el Amo de la Serie B"

Éste tipo de largometrajes se creó en la Época Dorada de Hollywood, y su propósito original fue el de ser distribuido sin la necesidad de publicidad, para luego ser proyectadas “doble función -dos películas por el precio de una-; esta fórmula de proyección había sido adoptada durante la Gran Depresión, dado que el cine se había convertido en un lujo demasiado costoso para el bolsillo de la gente.

Las películas de este tipo se caracterizan por tener una producción mucho menor en comparación a las de las grandes industrias, así como un cuidado técnico por debajo del estándar. El  ingenio creativo en estas películas puede variar, llegando a ser algunas terriblemente malas en todo sentido, mientras que otras destacan por contar con un buen argumento y gran habilidad para aprovechar sus propias “deficiencias” como un punto a favor que remarque atmósferas o sensaciones específica.

Gran golpe en la Pequeña China, de John Carpenter

Actualmente, el Cine B sigue manteniéndose con vida gracias a directores de prestigio como Quentin Tarantino o Robert Rodríguez quienes continuamente le hacen homenaje mediante referencias en sus largometrajes.

Mientras tanto, en el Perú, directores independientes como Fernando Montenegro aprovechan la estética “cutre” para construir ambientes ultra-decadentes, dado que sus historias suelen desarrollarse en ambientes distópicos y son protagonizadas por antihéroes sin voz ni voto (por cierto, Fernando Montenegro fue ganador del premio de la revista Godard! A la mejor película peruana del 2011 por Cada Viernes Sangre).

Similar es el caso del director Alex Hidalgo, cuyas películas sí están pensadas para el circuito comercial, pero a su vez se vale de la estética oscura decrépita de la serie B para películas como Nasca Yuukai –que se estrena este 30 de Agosto a nivel nacional, y en Japón el próximo año-, un filme de terror que, siguiendo la línea del terror japonés, construye un ambiente sumamente “creepy”.

Finalmente, siguiendo la onda de Tarantino y Rodríguez, los Hermanos Flores crean historias que cuentan con mayor presupuesto, pero se divierten jugando continuamente con referencias y homenajes a este tipo de cine -en especial a las pelas de Bruce Lee, Jackie Chan, y a Gran golpe en la Pequeña China (de John Carpenter)-.


Entonces Ruth, de Fernando Montenegro
Nasca Yuukai, de Alex Hidalgo
La Venganza del Fachoy, de los Hermanos Flores

Entre películas consideradas “malas” hasta el día de hoy, y las que luego han sido revaloradas por el ojo crítico o el mismo público, no podemos negar que el cine de Serie B ha dejado su huella en la historia del Séptimo Arte, al punto en que sigue vigente hasta el día de hoy (contando con una vasta fanaticada). Es por eso, que no queremos cerrar este post sin antes recomendar cinco películas de este corte:


“LA BESTIA QUE VINO DESDE LAS 20,000 BRAZAS” de Eugéne Lourié, 1953:




Muchos expertos afirman que el género de monstruos gigantes se inició con King Kong, el clásico cuento del simio gigante que lucha por proteger y tener a su dama. Sin embargo, se podría decir que La bestia que vino desde las 20 000 brazas, fue la pelícua que realmente logró impulsar el género e incluso inspiró a la creación del monstruo gigante más conocido de todos: Godzilla.

Con efectos especiales hechos por el legendario Ray Harryhausen (Jason y Los Argonautas y Furia de Titanes), la trama es casi similar al del Rey de los Monstruos –Godzilla-, haciendo notar la influencia y el miedo que existía en los años 50 con respecto a la Guerra Fría y las pruebas de bombas nucleares. Tuvo un presupuesto de tan solo 200,000 dólares y logró recaudar un total de 5 millones. Ideal para los fanáticos de monstruos y destrucción.


 “LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES” de George A. Romero, 1968:


George A. Romero es conocido mundialmente como el padre” del género zombie. Y ni qué decir, ya que gracias a él no tendríamos películas como “Guerra Mundial Z”, series como The Walking Dead o videojuegos como Resident Evil. Todo esto empezó con una película de tan solo 114,000 dólares que, tras su lanzamiento, logró recaudar hasta 18 millones de dólares a nivel mundial y obtener el grado de película de culto.

Esto le dio a Romero un nivel de fama mundial y la oportunidad de explotar este género con múltiples secuelas como El Amanecer de los Muertos, Día de los Muertos y Tierra de los Muertos. Mientras que -por otro lado-, varios cineastas como el italiano Lucio Fulci y el americano Dan O’Bannon se inspiraron o incluso tomaron referencias de él para crear sus sagas de muertos. 

Lo que hace de Romero un director único, no es enfocarse tanto en la violencia, sino en el tema de supervivencia, en cómo la sociedad trata de resistir, pero terminan destruyéndose, ya sea por las criaturas, o por ellos mismos.


“MAD MAX” de George Miller, 1979:




En el cine de acción, muchos están de acuerdo en que Mad Max es una de las mejores sagas de dicho género que existen. Para 1979, Miller era un desconocido, pero gracias a su gran creatividad a la hora de dirigir y escribir la historia del “Guerrero de la Carretera”, se convirtió en una gran influencia en el cine hasta hoy. 

Creando persecuciones de autos nunca antes vista hasta ese entonces, un personaje tan emblemático como Max -al igual que su mundo distópico- y saltando a la fama al actor (y actual director) Mel Gibson. 

George Miller logró hacer todo esto con un presupuesto entre 350,000 dólares australianos, para recaudar 100 millones de dólares americanos. La película es considerada de culto y a lo largo de la serie, nos muestra cómo la sociedad se va deteriorando al punto en que sólo queda sobrevivir.


“ESTÁN VIVOS de John Carpenter, 1988:




Considerada como una de las mejores películas de Carpenter -junto con Halloween, La Cosa, La Neblina y Escape de Nueva York-, Están Vivos es un largometraje que todo el mundo debe de ver al menos una vez en la vida. 

Muestra, mediante una historia simple, con un personaje bien cliché (interpretado por el luchador Roddy Piper)  y efectos especiales que son nada del otro mundo, cómo las personas y la sociedad en general nos dejamos llevar por el consumo y capitalismo de las grandes industrias (reflejadas en los antagonistas de la serie).

Es el mensaje en sí lo que capta la atención del público, al igual que ciertos diálogos y la forma en que se revela la “verdad” -mediante lentes- lo que hace que esta película sea considerada de culto.


 “PLAN 9 DEL ESPACIO EXTERIOR” de Ed Wood, 1959:




Ed Wood es un nombre bien conocido en la industria del cine. Quienes no hayan escuchado hablar del “peor director de la historia del cine”, seguramente le habrán conocido por la película homónima de Tim Burton de 1994 –protagonizada “para variar” por Johnny Depp.

Con obras como Glenn o Glenda –sobre el travestismo-, La Esposa del Monstruo, y unas cuantas películas del género pornográfico, Wood es recordado por todo aficionado al cine por su “obra maestra”: Plan 9 del Espacio Exterior.

Este filme combina elementos inusuales del género de terror y ciencia ficción de una manera tan bizarra como su historia, pésimas actuaciones (a pesar de la presencia del legendario Bela Lugosi), y -sobre todo-, sus terribles efectos especiales. La crítica siempre ha debatido acerca de este largometraje; tan malo, que acaba siendo una obra de culto por sus tremendos errores.


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martes, 15 de agosto de 2017

“Mandingo”: una atípica –y especialmente incómoda- película sobre la esclavitud


Por: Alexiel Vidam

Desde hace ya algún tiempo tenía el ojo colocado sobre un filme llamado  Mandingo (1975) -Richard Fleischer-, el cual –cuenta la leyenda-, sirvió de inspiración a Quentin Tarantino para varias escenas de Django Unchained (2012).


Mandingo (1975)
Django Unchained (2012)
Mandingo, como tantas otras películas sobre la esclavitud, toca el tema de la vida en la plantación y del maltrato hacia los esclavos afroamericanos. Sin embargo, ésta se distingue de otras por el tono irónico que la caracteriza, por los incómodos sentimientos encontrados que provocan sus personajes, y por lo extrema/explícita que llega a ser la representación de las humillaciones, sin que ésta impliquen –necesariamente- derramamiento de sangre.

Observamos pues, cómo el gran señor de la plantación -el “amo Maxwell” (James Mason)- pone sus pies sobre el pecho desnudo de un niño negro para curar su reumatismo (pasándoselo al niño); cómo Mede –el negro mandingo (Ken Norton)- es obligado a bañarse en agua hirviendo para endurecer su piel y luego enfrentar en una lucha a muerte a otro negro mandingo; observamos cómo Hammond Maxwell –heredero de la plantación (Perry King)- engendra hijos con las esclavas y luego no tiene ningún cuidado en venderlos, pues –parafraseando a su padre- no tienen sangre humana.


Lo curioso es que, a diferencia de otras películas sobre esclavistas que había observado, aquí los blancos no se dividen en “los psicópatas maltratadores” y los “pocos blancos piadosos que se enfrentan a la sociedad psicopática”, sino que características de estos dos estereotipos están mezcladas y entrelazadas en personajes que generan instantes de carisma y momentos de total repudio (he ahí los incómodos sentimientos encontrados).

Hammond Maxwell es el personaje más complejo y redondo, pero también –desde mi perspectiva- el más detestable. Hammond es el hijo que siempre obedece a papá (este último controla la mayoría de sus decisiones, lo cual incluye inclusive su vida sexual), es un sujeto con cara de niño y modales de chico bueno –a simple vista- que se sensibiliza con los negros… por lo  menos a comparación de su padre. Mientras que Warren Maxwell –su padre- considera en dejar tuerto a un negro o arrancarle la piel, Hammond le convence de que “no es necesario” y de que con “unos cuántos azotes” será suficiente. En un principio, hasta pareciera que Hammond no está de acuerdo con su padre, pero está lo suficientemente sometido como para aceptar sus decisiones.  Luego, va dejando desencadenar detestables reacciones motivadas por la ira, que lo llegan a convertir en un sujeto tan detestable como su progenitor… o incluso peor… pues es igual a él, sólo que en cobarde.


Otro personaje importante y complejo, es el de Blanche (Susan George), prima y esposa de Hammond. En un inicio se pinta como una joven ingenua, pero rápidamente descubrimos su lado más sórdido y oscuro. Blanche es una mujer sumamente manipuladora, que guarda un oscuro secreto en torno a un familiar cercano. Por ocultarlo y mantener a su marido cerca de ella (lejos de todas esas “putas negras” con las que él se acuesta), ella es capaz de absolutamente todo: amenazar, acostarse con quien fuese e incluso asesinar a su propia estirpe. Lo interesante de Blanche, es que, por encima de toda su maldad, es una mujer débil, cuya máxima humillación es el desdén con que la trata su marido. Eso la angustia, la deprime y la saca de sus casillas… despertando también el lado más despiadado que guarda dentro de sí.


En contraste, debo decir que los personajes de los esclavos negros están bastante menos desarrollados; sobre todo las mujeres. Las esclavas son sumisas y caen rendidas –o resignadas- ante el encanto –o el poder- de Hammond Maxwell. Sus personalidades causan tanta lástima como rechazo, al contar con un ego completamente triturado y sin mostrar un ápice de rebeldía/dignidad. Entre los hombres sí hay algún personaje un poco más interesante. Está Cicero (Ji-Tu Cumbuka), el esclavo que enseña a leer y enseña a otros a leer; el que siempre intenta escapar y encara a los esclavos sumisos. Está también Agammenon (Richard Ward), el esclavo que incita a sus compañeros de trabajo pero siempre sonríe al patrón. Por otro lado, está Mede (el ya mencionado Ken Norton), quien cree –casi hasta el final- que el amo Hammond era “mejor que un hombre blanco” (fatal error).



En cuanto a la historia, debo decir que no cuenta con un solo hilo argumental, pues si bien, en su mayoría, apunta a Hammond como protagonista, se sigue, en distintos momentos, la vida y los problemas de otros personajes, como Blanche, Mede o Ellen –la esclava “favorita” de Hammond (Brenda Sykes)-. Esto, de alguna manera, nos vuelve cómplices con las desgracias vividas o las trampas ejercidas por cada uno de ellos, haciéndonos sentir, más de una vez, avergonzados o culpables.


Finalmente, debo decir que la parte técnica está muy bien cuidada. El vestuario, la escenografía y cada uno de sus elementos, nos trasladan completamente a la época anterior a la Guerra de Secesión, una época y un contexto en los que la violencia, el racismo, el machismo y la deshumanización formaban parte de la normatividad. La música, por su lado, típica del género blaxplotation, transmite a la perfección ese sentimiento entre deprimido y resignado de esos hombres que –día a día- tienen, como máxima aspiración, únicamente sobrevivir.


Ficha técnica

Dirección: Richard Fleischer
Producción: Dino De Laurentiis
Idea original: Kyle Onstott (de su novela Mandingo)
Guión: Norman Weler
Dirección fotográfica: Richard H. Kline
Música: Maurice Jarre, Hi Tide Harris, Muddy Waters
Reparto: James Manson, Susan George, Perry King, Brenda Sykes
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Año: 1975
Género: Drama
Duración: 127 minutos





*Para ver película completa online, click aquí.

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sábado, 12 de agosto de 2017

Cinematosis celebra a sus 50 mil fans fundando el Club Cinematosis



Con motivo de sus primeros 50k orgánicos, Cinematosis engríe a sus seguidores más fieles creando el Club Cinematosis, una nueva oportunidad para quienes deseen obtener una serie de descuentos y pases especiales a estrenos, festivales y meet&greets, además de regalos personalizados de manera mensual.

“2017 se ha convertido en un año para replantear las cosas y buscar las maneras más efectivas de engreír a esa gran comunidad que cada día aumenta y nos sigue de manera entusiasta” –señala Alexiel Vidam, fundadora del club y de la marca Cinematosis-. “Es así que surge esta iniciativa para que, quienes estén dispuestos a comprometerse con el esfuerzo que realizamos día a día, ganen una serie de beneficios extra a los que ya ofrecemos de manera gratuita.”




Reportaje realizado por las "Malditas Cinéfilas" sobre Cinematosis
y el Tono Cinematosis.

Vale decir que Cinematosis surgió en 2011 como un blog dedicado a abordar el cine desde un enfoque distinto, bajo la filosofía de lo “simple, cercano y empático” de su creadora y buscando fusionar en uno solo los conceptos de “cultural” y “divertido”.

Sin embargo, pronto evolucionó a algo mucho más grande, convirtiéndose en una marca dedicada también a la producción de eventos enfocados en expandir la cultura del cine en nuestro país, de una manera dinámica y entretenida.

A fines del año 2015, Cinematosis también incursionó en el auspicio a proyectos cinematográficos nacionales, como el cortometraje La Venganza del Fachoy (2015) de Flores Brothers Producciones y el largometraje Nasca Yuukai (2017) de Esencia Films, que será estrenado en cines este 31 de agosto a nivel nacional (y en Japón el próximo año).




Para más información sobre el Club Cinematosis, estar atentos a sus redes sociales:

Twitter: http://twitter.com/Cinematosis

viernes, 11 de agosto de 2017

Elenco de “Nasca Yuukai” sembrará el terror en San Juan de Lurigancho


“Nasca Yuukai”, protagonizada por Irma Maury, Paolo Goya y un elenco de actores japoneses, es una película peruana de horror y ciencia ficción que sigue la línea del terror japonés y será estrenada tanto en nuestro país como en Japón.

Con motivo del estreno de la película, los actores de “Nasca Yuukai”, encabezados por Irma Maury, realizarán una terrorífica presentación con sesión de fotos incluida. Para tal acontecimiento, que se llevará a cabo este sábado 12 de agosto, a las 6:30pm, en Cinestar Metro San Juan (Av. Los Próceres de la Independencia 1632 - S. J. L.), los actores se presentarán caraterizados como sus respectivos personajes del film. Será la oportunidad perfecta para interactuar con los fans y sacarse unos cuantos “selfies”.


“Nasca Yuukai”, dirigida por Alex Hidalgo, cuenta la historia de cuatro turistas japoneses que se pierden entre las líneas de Nasca y son capturados por una anciana llamada Mara (Irma Maury), quien los convierte en rehenes de sus monstruosos hijos de aspecto reptiliano. Paolo Goya, será el detective encargado de investigar la desaparición de los cuatro jóvenes japoneses.

Por contar con actores peruanos y nipones, el filme está hablado tanto en japonés (con subtítulos) como en castellano. Aparte de esto, la película ha utilizado resaltantes ambientes turísticos como locaciones: las ruinas de Cahuaci, el cementerio de Aja, la Iglesia de San José, las Dunas de Usaka, y -por supuesto- las líneas de Nasca.


Imposible perderse esta escalofriante aventura. La película, que cuenta con el respaldo y apoyo de Starfilms, Cinematosis y ComunicArte Relaciones Públicas, se estrena en nuestro país este 31 de Agosto; además, contará con una proyección especial en la ciudad de Nasca, completamente libre y con presencia de los actores. Su estreno en Japón, por otra parte, está programado para el próximo año.

video
La actriz Naomi Kokobum te invita a ver Nasca Yuukai a partir
de este 31 de agosto.



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martes, 8 de agosto de 2017

"Dunkirk": Tiempos de guerra según Christopher Nolan



Por: Sergio Cueto

"Hombres de mi edad dirigen esta guerra. ¿Por qué
permitimos enviar a nuestros hijos a combatirla?"

Autor de películas de culto como Insomnia, Memento, Inception y The Prestige, la carrera de Christopher Nolan está cargada de títulos inolvidables. Es un reconocido y envidiado director - algunos dicen sobrevalorado- que ha causado revuelo en los medios desde que se anunciara el rodaje de este trabajo, a raíz de unas declaraciones en las que afirmaba que Netflix era una moda pasajera y que poco le importaba para el desarrollo de su quehacer profesional. La polémica estaba servida.


Controversia aparte, Nolan nos regala, sin lugar a dudas, una película increíble, que no se parece a ninguna otra de su filmografía: Interpretaciones sobresalientes, banda sonora impecable y un montaje sensacional que hacen de Dunkirk (Dunkerque en salas latinoamericanas) una experiencia única que será recordada como un hito del cine bélico, difícil de olvidar.

Tiene como marco, un hecho histórico real afrontado desde distintos puntos de vista: un grupo de soldados en tierra, un pescador inglés con su padre y un amigo en altamar, un  intrépido piloto militar… Todo ello para llevarnos al corazón de una guerra desde tres flancos distintos -tierra,  mar y aire- en busca de un mismo objetivo: sobrevivir.


¿La historia? En plena II Guerra Mundial, miles de británicos y tropas aliadas se encuentran rodeados por las fuerzas enemigas en la ciudad francesa de Dunkerque. Atrapados y con el mar a sus espaldas, estos valientes se enfrentan a una situación imposible mientras el ejército contrario se acerca.


Así, formamos parte de la llamada Operación Dynamo, conocida como "El milagro de Dunkirk", una complicada operación de evacuación del destacamento aliado a finales de mayo de 1940. Esta operación permitió el rescate de más de 200.000 soldados británicos y más de 100.000 franceses y belgas.


Comandante Bolton: Casi puedes verlo desde aquí.
Capitán Winnant: ¿Qué?
Comandante Bolton: Nuestro hogar.

El guión cuenta con poco diálogo, creando suspenso a través de los detalles. La grabación inició en mayo de 2016 en Francia, y terminó en los EE.UU., donde se realizó la post-producción. Dunkirk se grabó en IMAX de gran formato y requirió de efectos altamente realistas, empleando más de 6000 extras, la construcción de botes y el uso de aeronaves de la época para las secuencias aéreas. Toda una proeza fílmica, muy al estilo grandilocuente del director de la trilogía de The Dark Knight e Interstellar.

Y ya que hablamos del formato, está claro que Nolan es un innovador por el modo en que concibe sus películas; así lo demuestra exprimiendo al máximo todas las características formales del formato –audio, definición y nitidez– a su favor. Es más, nos atrevemos a decir que la "experiencia completa" solo se puede conseguir en una sala IMAX (y como película de 35 y 70 milímetros), tal como recomendó el director.


Nolan ha expresado en repetidas ocasiones que Dunkirk no es su proyecto más personal, pero es evidente que la simple elección de la temática bélica conlleva una mayor carga emocional si tenemos en cuenta su origen británico. La cinta es, además, una producción entre Países Bajos, el Reino Unido, Francia y los Estados Unidos.

¿Lo mejor? Tensión de principio a fin. No nos da tiempo de respirar. Además, al no haber largas conversaciones, prima aquí el lenguaje audiovisual que va de la mano con la utilización de una banda sonora excepcional, marca personal de Hans Zimmer, habitual cómplice fílmico de Nolan. Atención al cameo de voz del gran Michael Caine al inicio de la película. ¿Lo notaron?


Estamos entonces ante una historia épica muy íntima, con personajes llenos de luz, sombras y un viaje particular para conectarlas en un marco de tensión invisible, difícil de igualar. De momento y de modo particular, es lo mejor que hemos visto de este año y que ha recaudado más de 269 millones de dólares en la taquilla mundial durante sus primeros 15 días en cartelera.




Ficha técnica

Dirección: Christopher Nolan
Producción: Emma Thomas, Christopher Nolan, Greg Silverman
Guión: Christopher Nolan
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Hoyte van Hoytema
Montaje: Lee Smith
Reparto: Fionn Whitehead, Cillian Murphy, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Tom Hardy, Aneurin Barnard, Jack Lowden, Harry Styles
País(es): Reino Unido, Estados Unidos, Francia, Países Bajos
Año: 2017
Género: Bélico

jueves, 3 de agosto de 2017

Irma Maury y Paolo Goya apuestan por el cine de terror


Nasca Yuukai sigue la línea del terror japonés, cuenta con actores japoneses en su elenco y será estrenada tanto en nuestro país como en Japón.

Los reconocidos actores de Al fondo hay sitio, Irma Maury y Paolo Goya, dan un giro a su perfil actoral, apostando por el cine de terror. Pero no, no se trata de una producción del género como ya las hemos visto antes en nuestro país. El arriesgado director Alex Hidalgo (“Sueños de Gloria”) hace una propuesta radicalmente diferente, adoptando el espeluznante y afamado estilo del terror japonés.



“Todo comenzó con un viaje que realicé a Japón… eso me metió la idea de apostar por un género bastante popular en nuestro país, pero desde una perspectiva distinta. Es cierto, además, que los japoneses son bastante hábiles con este tipo de historias, y tienen toda una legión de seguidores.” – señala el director, y añade: - “Era una buena excusa además para resaltar lo nuestro tanto dentro como fuera de nuestro país. Algo que me pareció curioso cuando viajé a Japón, fue descubrir que lo que más atrae más a los japoneses de Perú, es Nasca. Les impacta incluso más que Machu Picchu; fue por eso que me pareció buena idea usarla como escenario principal, aprovechando también la serie de leyendas paranormales que se han hecho bastante populares en torno a las líneas.”



La película cuenta la historia de cuatro turistas japoneses que se pierden entre las líneas de Nasca y son capturados por una anciana llamada Mara (Irma Maury), quien los convierte en rehenes de sus monstruosos hijos de aspecto reptiliano. Paolo Goya, será el detective encargado de investigar la desaparición de los cuatro jóvenes japoneses.

Por contar con actores peruanos y nipones, el filme está hablado tanto en japonés (con subtítulos) como en castellano. Aparte de esto, la película ha utilizado resaltantes ambientes turísticos como locaciones: las ruinas de Cahuaci, el cementerio de Aja, la Iglesia de San José, las Dunas de Usaka, y -por supuesto- las líneas de Nasca.


Imposible perderse esta escalofriante aventura. La película, que cuenta con el respaldo y apoyo de Starfilms, Cinematosis y ComunicArte Relaciones públicas, se estrena en nuestro país este 31 de Agosto; además, contará con una proyección especial en la ciudad de Nasca, completamente libre y con presencia de los actores. Su estreno en Japón, por otra parte, está programado para el próximo año.

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lunes, 17 de julio de 2017

¡Qué “fácil” es ser mamá!



 Por: Fabiana Zelada

Dicen que los hombres y las mujeres somos iguales en muchos aspectos. Pero si hay algo en lo que el sexo femenino se defiende, y con ganas, es el multitasking.

Desde muy chicas nos educan para hacer diferentes cosas al mismo tiempo, llegando al punto en que nos volvemos profesionales haciendo malabares. Pero todo cuanto pasamos desde la niñez hasta la adolescencia, solo es un entrenamiento para cuando la maternidad llame a tu puerta.

Ariel Winograd nos trae, desde Argentina, Mamá se fue de viaje, una película que resume muy bien el pensamiento típico de “hasta yo podría hacer eso”, en una situación que desde fuera se ve manejable… pero que realmente no lo es.

Divertida y atrapante, te sumerge en situaciones que fácilmente te harán sentir identificado, sobre todo si tienes hijos.


– Mamá se fue de viaje para demostrarnos que no podemos vivir sin ella.
- ¡Y no podemos!

Víctor Garbo y Vera, su esposa, tienen cuatro hijos, cada uno en una etapa diferente: Lolo aún va en pañales, Tato ya va al colegio, Lara está en la pre-pubertad y Bruno en la adolescencia. Mientras que Víctor es gerente de una cadena importante de almacenes y por las noches de los lunes juega al póker con sus amigos, Vera es una madre entregada a la vida doméstica las 24 horas del día.

Vera llega a un punto de quiebre cuando se da cuenta de que todo lo que hace pasa desapercibido. Entonces arma sus maletas y decide irse de viaje por una semana. Su familia la apoya, naturalmente, y Víctor piensa que será tarea fácil hacerse cargo de los niños y todo lo que eso incluye: las tres comidas del día, llevarlos y recogerlos del colegio, los entrenamientos, actividades extracurriculares…


Si bien la trama no es nada del otro mundo, el guión y su respectiva dirección son capaces de engancharte desde el principio. Es una comedia sencilla pero bien hecha, que nos hará vivir los enredos familiares de los Garbo, como si fueran los nuestros, e incluso burlarnos un poco.

Winograd aprovecha la oportunidad de esta comedia para hacer una pequeña crítica al mundo machista en que seguimos viviendo, y que en algunos lugares se siente más que en otros.

La libertad de Vera para decidir tomarse unas vacaciones ante la sorpresa de todos, es algo con lo que no cualquier madre se permite soñar; pero el alivio que vemos en su rostro cuando se aleja en el taxi camino al aeropuerto, es un placer culpable que muchas desearían probar.



Por otro lado, y aunque sobra decirlo, las actuaciones de Diego Peretti y Carla Peterson son tan buenas como cabe esperar, la química en su trabajo nos hace sencillo a los espectadores creer de verdad los momentos felices y las peleas; una actuación natural y sin exageraciones. 

La película también se encarga de rescatar el estereotipo de padre que nunca está en casa, aunque asegura que es lo que más le gustaría. Cuando Víctor por fin tiene esta oportunidad, su mundo se va de cabeza porque no hay nadie que haga lo que normalmente (“siempre estaba hecho”). Sin embargo esa semana a solas con sus hijos lo ayuda a darse cuenta de algo en lo que más de uno ha caído: todo el tiempo dedicado al trabajo, le ha quitado tiempo de conocer realmente a sus hijos.


Una comedia familiar altamente recomendada que ya puedes disfrutar en tu cine favorito.





Ficha técnica

Dirección: Ariel Winograd
Producción: Juan Vera, Juan Pablo Galli, Juan Lovece
Idea original: Juan Vera 
Guión: Mariano Vera
Música: Darío Eskenazi
Fotografía: Félix Monti
Reparto: Diego Peretti, Carla Peterson
País: Argentina
Idioma: Español
Año: 2017

sábado, 15 de julio de 2017

5 estrellas de Hollywood que te responden los mensajes


Por: Kareen Vera 
¿Cuántas veces hemos soñado con interactuar con nuestras estrellas favoritas de Hollywood?... Si eres un verdadero cinéfilo, seguro  muchísimas veces. Por eso, pensando en ti, te presentamos una lista muy especial, con los actores que suelen contestar a sus seguidores en las redes sociales. ¡Apunta!
Ryan Reynolds


“Irreverente”, “sarcástico”, “cómico”, “antihéroe” Son algunos de los adjetivos que vienen a nuestra mente al pensar en Ryan Reynolds. Y es que, si alguien escucha su nombre, seguramente llegará a su cabeza la imagen del personaje que le ha dado más popularidad en los últimos años: Deadpool. 
Desde su último gran éxito cinematográfico –como parte del Universo X-Men- ha tenido un significativo incremento de fans y esto ha llevado a que muchos quieran tener algún tipo de contacto con él, en especial en Twitter. 
De forma cómica y astuta, Ryan responde a sus fans todo tipo de inquietudes, sugerencias y peticiones, que van desde simples preguntas, hasta fantasías sexuales. ¡Aprovecha! https://twitter.com/vancityreynolds


Gal Gadot


Si bien la espectacular Gal Gadot nos sorprendió con su actuación en Wonder Woman, nos sorprende igual por la sencillez y buena onda con que responde a sus fans, en especial a la tierna carta que le hizo una pequeña de 7 años, utilizando plumones.

La también intérprete de Fast & Furious tuvo la excelente idea de hacerle llegar la respuesta a través de Facebook, resaltando la creatividad de su carta y lo inteligente que era. Sueño cumplido. https://www.facebook.com/GalGadot

Emma Stone


No hay que hacer mucha presentación cuando se trata de ella. La fabulosa actriz que se inició en el mundo de la comedia para luego sorprendernos con su versatilidad para destacados papeles en otros géneros cinematográficos. La hemos gozado en Birdman, Amazing Spiderman, The Help y la sensacional La La Land. Emma nos sorprendió a todos cuando le respondió a uno de sus fans, quien le había propuesto ser su pareja en su fiesta de graduación.

Soñar no cuesta nada, pero el sólo hecho de que la protagonista de Crazy, Stupid, Love le haya respondido tan agradecida por la petición, hace que cualquier fan se sienta realizado. https://www.instagram.com/emmastonnne/


Emma Watson



Si tienes tus “peros” con respecto al empoderamiento de la mujer, o con la igualdad en pleno siglo XXI, “calladito te ves más bonito”, pues seguro obtendrás un fulminante Avada Kedabra de la bruja más genial que haya tenido jamás la Casa Gryffindor; Emma Watson te hará pisar tierra y te ubicará instantáneamente en el tiempo.

Por medio de las redes sociales, la reconocida actriz de Harry Potter no duda en dar respuestas certeras, astutas y contundentes a cualquiera que atente contra la lucha por la igualdad. https://www.facebook.com/emmawatson/

Frankie Muniz



Muchos lo recuerdan por sus películas de espía; otros prefieren recordarlo como Malcolm, el niño genio que nos divirtió con su disfuncional familia, ocurrencias y cómicas situaciones que a cualquiera le podrían suceder. 
Lo cierto es que, si vas a escribirle, a Frankie Muniz, es muy probable que te responda… nomás que, si vas a criticarle, ¡cuidadito!... porque también te va a contestar (¡Avisado estás!) https://www.instagram.com/frankiemuniz4/


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